A tragédia de Macbeth: primor na ausência

Naturalmente Macbeth é uma das obras mais adaptadas da história da sétima arte, tendo sido incorporada às visões de diretores geniais como Akira Kurosawa e Orson Welles, por exemplo. E, também naturalmente, esse caminho pode facilmente tornar-se um caminho saturado, por vezes sem muito direcionamento, onde o simples ato de adaptar um Shakespeare acaba sendo o suficiente para justificar uma adaptação. Em A tragédia de Macbeth, Joel Coen consegue, no entanto, propor uma impressão mais técnica, objetiva e rica na forma de estudo de personagem, onde os próprios peões de sua história são tão importantes quanto suas ausências ou tão relevantes quanto à atmosfera limitadora consciente dos detalhes. Ou melhor, da falta deles.

Nesse sentido, a própria escolha por um aspecto de tela em 4:3 (quadradona) acaba preparando o espectador para essa impressão do diretor: é uma obra que propõe uma limitação desde a sua própria forma, passando pela composição dos seus ambientes escassos em detalhes desnecessários, até a construção de cenários tão limitados quanto. Com áreas delimitadas, esses cenários permitem a profundidade apenas quando o diretor a quer — o que é usado principalmente nos momentos de mais relevância da história, como o que precede o ato que passa a perturbar a mente do protagonista. Uma primazia técnica que auxilia a dramaticidade pretendida por Coen, e sem dúvidas um acerto imenso.

É por isso que quando o diretor opta por fazer um filme em preto e branco ou por planos fechados é possível notar que a “falta” de detalhes nos cenários é compensada por um foco em texturas, seja dos próprios rostos dos personagens, das folhas, dos tecidos, a arquitetura, etc. Ao invés de superdetalhar figurinos, direção de arte, o diretor preza por uma objetividade mais dramática da expressão, do contraste e principalmente do que funciona dentro dos limites propostos por aquele universo, seja dentro do enquadramento claustrofóbico, seja nos cenários-palco construídos nas cenas. 

Na minha experiência essas decisões mostram uma contribuição riquíssima para comentar a tal ‘tragédia’ proposta na interpretação do diretor, talvez dialogando sobre o próprio limite da ambição, da ebriedade profética vivida pela história decadente que testemunhamos à vivência de Macbeth. O limite da sanidade de sua tragédia e por aí vai.

O filme usa muito bem o espaço vazio como complemento psicológico dos personagens, o que é impressionante também. Os ângulos de camera são muito precisos ao concentrar na perspectiva própria ou no jogo de poder entre eles — destaco a chegada do Rei no castelo e o corte para Frances McDormand ou a sequência, desde o início até o ponto em que subordinados observam Lady Macbeth sonâmbula.

É importante notar que, ainda assim, pessoalmente, o texto de Shakespeare me causa um tédio quase tão dramático quanto o é, o que pode servir como um aviso para espectadores menos engajados mas também uma demonstração da minha falta de “grãfinisse” por textos rebuscados. Por mais que a atuação do Denzel Washington e da Frances nos papeis icônicos seja impecável e a entrega do texto rebuscado ocorra com uma naturalidade palpável, ainda assim o texto original me distrai muito, o que paralelo à riqueza de todas aquelas imagens acaba sendo uma sobrecarga densa e desestimulante.

É assim que Macbeth de Joel Cohen, mesmo proveniente de uma obra adaptada à exaustão, consegue manter-se uma experiência fresca, que mais serve como uma demonstração de sua capacidade técnica do que o convite para uma história empolgante ou algo assim. É, no entanto, um filme absolutamente fantástico de ser visto. Com destaque para ‘visto’.